«La teta asustada», así fue la charla de cine

El conversatorio sobre La teta asustada, que realizamos en el CC. Británico en mayo pasado, sirvió para analizar desde diversos ángulos algunos aspectos abordados por la premiada película. Entre éstos, la búsqueda de la belleza y el simbolismo que rodea la creación de Claudia Llosa, la música que es, como toda la película, mixtura y mezcla, o la construcción de la verosimilitud como fin de la obra fílmica.

Susana Torres, directora de arte de la película, habló sobre la búsqueda de belleza que planteó la película y que tuvo su nacimiento en la modernidad popular, con su cultura pujante y afirmativa pero que también presenta vacíos y carencias:

Soy de las que creo que al pueblo hay que darle lo mejor. Creo que eso es lo que intentamos hacer nosotros. Cuando fuimos a Manchay y le mostramos la película, mi percepción es que las personas lo entendieron. Uno a veces tiende a ser paternalista, uno se equivoca, la gente es más inteligente de lo que uno cree.

En La teta asustada nosotros encontramos belleza, en lo que algunas personas llaman kitsch. Para mí la cultura popular no es kitsch en absoluto. Si yo voy al mercado de Ceres tal vez el único personaje kitsch fuera del lugar soy yo.

En realidad para nosotros eso ha sido lo bello que hemos buscado, porque nos gusta la modernidad popular, pero al mismo tiempo no la mitificamos, vemos sus vacíos y carencias, como cuando uno ve un letrero mal escrito no es una burla evidentemente. Definitivamente estamos hablando de una mala educación nacional y eso más que risa debería llamarnos a la reflexión.

Claudia quiso usar la imagen de la momia, no en un concepto provinciano actual y moderno, si no remitirse simbólicamente al concepto de Mallki. Fuimos a remitimos hasta tiempos precolombinos.

La idea de Mallki es esta momia que de alguna forma no se entiende como algo muerto ni acabado, es visto también como una semilla, como un feto. Mallki significa las mismas cosas, muerto, semilla, feto, momia. -¿Por qué no la entierran?- Porque de alguna forma para nosotros era ésta una metáfora tan fuerte en toda la película, tanto como la puerta levadiza, lo que no podemos ocultar.

Prosiguió la exposición, el doctor en Antropología y catedrático de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Ladislao Landa, quien remarcó la idea de la interpretación personal que cada uno puede hacer de la película. Centró sus comentarios en el Mallki y la licencia que se toma Claudia Llosa para recrear a esta expresión prehispánica:

El Mallki, esta expresión prehispánica -se supone que los Incas en vez de tener una bandera tenían un Mallki, una momia con las cuales libran a las batallas-, ésta es una expresión de los cronistas más recurrentes. Sin embargo, la licencia creativa que hace Claudia, creo que es importante y esto no es una licencia solamente del cine. Entonces estas licencias ayudan a pensar lo que somos, a pensar identidades, es decir: ¿Nosotros no estamos exentos de una referencia histórica? No. No estamos exentos, nuestra referencia histórica de alguna manera va más allá del siglo XVI.

Observamos a Fausta creando sidillas, es decir parte de la tradición latinoamericana, parte de esta fusión contemporánea de las músicas que vienen de Chile, de Argentina se encuentran en Bolivia, llegan al Perú y sobre todo se desarrolla en Ayacucho, que es un espacio en donde ahora se está experimentando posiblemente de manera bastante fructifica una revolución musical. Hay algunos elementos, posiblemente los musicólogos nos van a explicar algunos motivos andinos que se le escapa a Fausta, pero su esquema ya no es exactamente andino. Eso somos nosotros pensamos en los Mallkis y tenemos influencia de todos los pueblos.

A su turno, el crítico de cine y profesor universitario, Emilio Bustamante disertó sobre la verosimilitud, lo creíble dentro de la ficción, y como la percepción del autor determina la forma de abordarla. «Un efecto del texto en el contexto», como él lo llama:

Sea Madeinusa o La teta asustada ambas son películas de ficción. Una película de ficción crea un mundo autónomo, que es parecido al mundo real, pero no es un mundo real. Este mundo autónomo tiene sus propias reglas, sus propias leyes de estructura, puede aludir al mundo real, puede de algún modo estar representando algunas cosas que suceden en el mundo real, pero tienen su propia estructura. Es autónoma.

Hay otras maneras posibles de ver al mundo andino. Pero esta es la manera de mirar de Claudia Llosa. Que no es, de repente, la verdadera, no es la autentica porque quizás no existe una verdadera, ni autentica. Si viniera otro cineasta que viniera de otra cultura y que tuviera otra manera de mirar el mundo andino, haría otra película distinta, pero que también esa película seria simplemente una representación.

El contexto es muy importante, no solamente el contexto espacial sino histórico. Una película puede ser muy creíble en una determinada época y puede resultar muy inverosímil en otra época… El contexto tiene que ver con la credibilidad, pero en última instancia la credibilidad del texto tiene que ver con la coherencia interna del texto. Un texto es creíble sobre todo por su coherencia interna.

Creo que los directores peruanos como Claudia Llosa, (Josué) Méndez, justamente crean un mundo verosímil por que tienen un manejo del lenguaje audiovisual, como lo tiene Pancho Lombardi. Tienen un buen manejo y conocimiento del lenguaje. Manejan también el lenguaje que pueden crear en él, mundos verosímiles. Me parece que esto es fundamental para cualquier cineasta que tenga un manejo de lenguaje, conocimiento en técnicas narrativas y una capacidad para hacer una puesta en escenas convincentes, de modo que puedan crear estos mundos verosímiles, esos mundos creíbles.

Ricardo Bedoya, el moderador del evento, también realizó un breve comentario:

Es el cuento de Fausta. Que llega a la casa de la bruja, al castillo de la bruja, donde encuentra al jardinero bueno que de alguna manera se enamora de ella y trata de rescatarla. Este jardinero bueno hace las veces de un caballero y la hace florecer. La trata suave, la conquista y la hace salir a flote.

La película trata la historia de este florecimiento, de un desenlace final inesperado. Esta mujer -que ha tenido esta especie de trauma terrible que impide el acceso de un hombre a su cuerpo- al final ve la «papa» florecida en una imagen fálica. Esa chica esta abierta a posibilidades de vivir una vida distinta. Entonces puedes ver en la película como ese cuento y esas posibilidades de progreso personal. La historia de una mujer que florece y se puede ver de muchas maneras que ella pueda desarrollarse. Y el pueblo lo ve de muchas maneras, entre malas y buenas.

Agradecemos también la participación del público asistente. Esperamos contar con sus valiosos aportes en las próximas charlas que organizaremos.

(Fotos: Rolando Jurado)